Blackmagic Design導入事例：短編ドキュメンタリー「1/100: The Story of the Ostrich Kegler Super」の場合

2つの役割のバランスをとるのは常に困難ですが、準備がすべてでした。技術的な面でストーリーを完全にサポートできるように、複数のロケハンから事前の照明コンセプトまで、撮影に関するあらゆる準備を慎重に進めました。私は明確なビジュアルを思い描いていましたが、素晴らしいチームメンバーたちの協力により、そのビジョンをシームレスに実現できました。また、出演者たちと事前に時間を過ごすことでトーンや目的を共有できたので、現場がスムーズに回りました。結果的にすべてが予定通りに進み、私たちが目指していたものと一致する映像を制作することができました。

そうですね、2つの役割を担うことで、ビジュアルを自由に試すことができました。つまり、他の人に翻訳してもらう必要がなく、その場で創造的な決断を下すことができたんです。しかし、頭の中ですべてのディテールを二重チェックしなければならなかったので、同時にプレッシャーもありました。とはいえ、純粋にそのプロセスを楽しんでいましたね。そのレベルのコントロールが可能になったことで、最終的な作品がさらに満足いくものになりました。

私の撮影スタイルは、主に映画への愛、そして1930年代の仕立てにインスピレーションを得たスーツ会社などの様々なブランドとの仕事を通じ、長年に渡って形成されてきました。これらの経験によって、私の中にある種の美的感覚が植え付けられ、それが自然にこのプロジェクトにも引き継がれています。興味深いことに、モチーフがアディダスの希少なスニーカーであるという事実が、視覚的なアプローチの決め手となったわけではありません。むしろ、ドキュメンタリーやファッション動画の要素を融合させた、ストーリー主導のハイブリッドなスタイルを作ることに重点を置きました。映像がモダンでありながら時代を超越したものになるようにしたかったので、現代風とビンテージ風のカラーパレットを組み合わせ、様々な特徴的なレンズで撮影することで、映画に質感と個性を出しました。

トレーニングシューズの界隈でこのスニーカーがいかに重要かを知っていたので、オーストリッチ・ケグラー・スーパーの物語を伝えることに大きな責任を感じていました。私の目標は、その伝統と価値を理解している人たちの顔に笑顔をもたらすものを作成するのと同時に、その物語を知らなかった人たちに紹介することでした。ビジュアル的には、伝統的な色の技法と現代的な技術を組み合わせて古さと新しさのバランスを取り、このスニーカーの歴史的な精神と永続的な価値の両方を表現したいと考えました。

私はずっとBlackmagicのカメラを愛用しています。シネマライクな品質と現代的な技術のバランスが完璧だからです。17Kが出ると初めて聞いた時、手に入れてテスト撮影してみたいと強く思いました。そしてもちろん、期待が外れることはありませんでした。私は何年もURSA Mini Proを使用しており、最近PYXIS 6Kに移行したのですが、非常に気に入っています。しかし、URSA Cine 17K 65は別次元でしたね。モンスター級のカメラだと言えます。これほど"リアルなルックを撮影したことはありません。カメラ技術がここまで進歩したのは驚くべきことです。17KをAカメラとして使用したのですが、正直に言うと、できればあらゆる用途にこれを使用したかったですね。本当に素晴らしいカメラです。URSA Cine 12K LFも優れたカメラですが、今回のプロジェクトでは、ピックアップショットや追加の映像に使用しました。

本当に印象的だったのはカラーサイエンスです。Blackmagicは常に、シネマライクで自然なルックを実現してきましたが、URSA Cine 17Kは、様々な照明条件で必要な一貫性を提供してくれました。ラティチュードも素晴らしいですね。例えばカフェのシーンでは、撮影時に空が完全にクリッピングされていましたが、ノイズやバンディングを出さずに、ポスプロでディテールをすべて復元できました。意図的に露出不足のショットでストレステストを行ったところ、ファイルは依然として驚異的なダイナミック レンジを保持し、グレーディングの余地も十分にありました。これほど柔軟性に優れていると、クリエイティビティを自由に発揮できるだけでなく、どのような状況でも画像が保持されることが分かっているため、ワークフローを効率化できます。

レンズの選択は非常に簡単でした。私はいつもCookeのレンズに惹かれてきました。過度にリアルに感じられるものは好みではありませんが、Cookeはそれに匹敵する暖かさと個性をもたらしてくれます。Cookeのレンズは、私の個性をよりイメージに反映させてくれました。それはこのプロジェクトにとって非常に重要でした。このようなパワフルなカメラと組み合わせると、正直言って選択肢に困ってしまうほどです。また、新しいSigma Aizuのプライムレンズを使用する機会もあったのですが、素晴らしかったですね。

修復のシーンは、インタビューとは全く異なるアプローチを取りました。工房では非常に繊細な作業が行われているため、それぞれの作業を撮影する機会は1度しかありませんでした。ひとつの修復作業が終わると、元に戻せません。つまり、より反応的にフレーミングを行い、ほぼラン&ガンスタイルで、シネマライクな品質を保ちながらも全ての過程を見逃さないようにする必要がありました。インタビューシーンはその真逆です。マルチカムのセットアップに時間をかけて、クリーンな構図を固定し、各フレームを正確に実行することができました。

ベンジーが工房内を絶えず動き回っていたため、修復作業中の照明は、間違いなく困難でしたね。シーンごとに照明を当て直すのではなく、自然で一貫性のある方法で空間全体を照らすことに集中し、その後、連続性を崩さずに自由に動いてベンジーを追えるように照明を固定しました。物語やインタビューの撮影では、静止した被写体を照らす光をより正確に形作って自由にコントロールできますが、工房の撮影は、異なるアプローチでした。

カラーグレーディングは常に制作の大きな部分を占めています。このプロジェクトでは、私は初めから非常にクリアなビジョンを持っていました。カメラを手に取る前から、どのようなルックにしたいか分かっていたんです。私の選択の多く（照明、レンズ、露出）は、頭の中にある最終的なグレーディングに基づくものでした。また、このプロジェクトでCore Postのアリスター・デビッドソンと一緒に仕事できたことは本当にラッキーでしたね。私たちのスタイルは本当によく一致し、プロジェクトを完璧に補完したと思います。

今回の撮影で、技術的に一番困難だったのはタイミングです。全てのプロジェクトを撮影するのに2日しかありませんでした。効率に大きなプレッシャーがかかりましたが、優秀なスタッフたちのおかげですべてがスムーズに進みました。アシスタントカメラマンのケン・カーソンは非常に優秀で、照明係のジョエル・ダイクスはまさに英雄でした。現場でこのような人材に支えられていることは非常に大きいですね。

修復プロセス全体ですね。信じられないほどリアルで、ビジュアル的にも非常にパワフルにまとまったように感じました。また、画質を維持しながらカメラのフレームレートを高く設定できたため、その瞬間にさらにインパクトを与えることができました。