「これからやりたいジャンルは、全部」。進化し続ける岡村良憲の現在地

あらゆる撮影技法が詰めこまれた「HENSHIN THE FIRST」

――撮影技法や機材など、印象的だった近作についてお聞かせください。

ケイトの商品「リップモンスター」と仮面ライダーのコラボ映像「HENSHIN THE FIRST」。広告でありながら、約10分のショートムービーとしての人気も高く、再生回数の多い作品です。

――女性が仮面ライダーを演じる時代になりましたね。

主演の女優、天翔天音さんは、元祖仮面ライダーの藤岡弘、さんの次女であり、仮面ライダーのDNAを継ぐキャスティングという意味でも話題となりました。監督は昨秋公開の映画「ウィンドブレーカー」でご一緒した萩原健太郎さんです。

――ロケやスタジオ、アクションやビューティーと、様々なシチュエーションが撮影の教科書のように詰めこまれています。

自分が好きで得意としている様々な撮影方法が詰まっています。カメラは、主にソニーVENICE 2で撮影しています。レンズはSIGMA FF High Speed Primeや、LAOWAを使用したり、Go Proを使ったカットも入っています。

制作会社はCMのプロダクションですが、映画の方法論に則り、台本ベースで進行しています。これまで自分は、基軸は広告映像で、長編映画の撮影もしてきましたが、その両者で培った経験値を発揮できた現場でした。リアリティとファンタジー、一瞬しか映らないけど、季節感のために雪を降らせたり。各シーン、細かく計画しています。自分にとっての現在地、総集編みたいな作品です。

――集大成的であり、設定も現代的で、様々な意味でハイブリッド感があります。

クライアントワークであり、あくまでも化粧品の広告なので、コマーシャル的な脳を使うのと同時に、ストーリーの世界観を大事に、映画的に撮影をしました。今までのキャリアがあってこそ撮れた世界観だと思います。

――バイクの走行シーンも迫力満点です。

バイクが飛んだり、転んだ勢いで路上を滑っていくカットなどは、ワイヤーアクションです。その手前のバイク走行シーンは、主人公に扮したライダーが欲望の化身（CG）に追いかけられているのですが、本人が乗っているシチュエーションも作りたいので、一瞬顔が見えるカットを合成しています。激しいバイクアクションカットでは、昔は「ロックンロール」などと呼ばれていたやり方で、その場の臨場感やノリで撮る。バイクが縦横無尽に激しく動くところを、カメラカーの上で機材を操縦しながらガンガン撮る。ライダーとカメラのせめぎ合い。そのシーンがすごく好きです。

KATE仮面ライダーで使用したカメラカー　バイクシーンで使用した

――音楽のインプロビゼーション、セッションのようですね。

まさにジャムセッション。フィジカルのライブ感も大好き。

あらゆる技法でリアリティを追求する

――フィジカルが伴う撮影といえば、2024年のポカリスエットCM「潜在能力は君の中。」（監督：柳沢翔）。ARを駆使した素晴らしいコマーシャルでした。

山を駆け登って撮影しました。ロケハンの時に、走りきれなくて、2カ月間ほど走り込みのトレーニングをして、結果的に体脂肪が落ちて、腹筋が割れました。もう戻りましたが（笑）。

――年齢によって、体力も含めて、撮れるビジョンは変わってきますか？

年を重ねた今は、肉体的に鍛えていないと。やっぱり、カメラ手持ちでわーっと撮りたいじゃないですか。ステディカムのオペレーターに任せることはもちろんありますが、どう撮るか伝えるのがもどかしい瞬間もあり、どうしても自分の感覚、フィジカルのタイミングで行きたいと思う時も正直あります。

一方で、シズル撮影や、ライティングを作りこんでいる時のような、フィジカルとは違う、技巧的なスタジオワークも大好きです。先日は、ザ・プレミアム・モルツの60秒CMを撮影したのですが、これは主にストップモーションで、とても難解なことをしているのですが、1回見ただけでは、何がすごいのか視聴者のみなさんに伝わらないかも（笑）。

――壮大なコマ撮り作品なんですね！

1粒の麦をワンカットずつ動かしたストップモーションから始まり、黒い板を掘った版画のアニメーションへ。多くの美大生たちに参加してもらい、最後には「個性の数だけ輝きがある」状況を示す画に導かれていきます。

この過程がおそろしく難解で、麦が芽吹く成長経過の途中で全体を写真に撮って、大きなパネルに焼き、そのプリントを広大なスペースに並べて、俯瞰から再撮影しています。最初の「ミクロ」なコマ撮りから、「マクロ」なタイムラプスでの撮影に切り替わっています。照明は朝昼夜と繰り返す光をLEDで微調整。コマ撮りでは、カメラと照明用に2台のマイロ（モーションコントロール・ロボット）を使い、タイムラプスでは、カメラは自作の昇降機に、ライトはカメラ用の大きなクレーンに乗せて、動きをつけています。

――この作品の監督も柳沢さんですね。

いつもすごいことしか考えてこない監督です（笑）。カメラマンは、監督の右腕。その監督のビジョンを少しでも上回る画を、技術をもって具現化する役割を担っていると思います。広告も映画も、ディレクターが何を考えているかを映像化するのが面白い。撮影は、手品、魔法に近くて、ディレクターのビジョンを具現化するアウトプットのあらゆる方法論、技法を、フィジカルも含めて全方位的に追求しながら、クリエイティブを突き詰めていきたいです。

プロダクションワークを経た完成形の映像

――今後、どんな作品を手がけたいですか？

そう聞かれるかなと思って、どんなジャンルに携わりたいか考えていたのですが、結論としては「全部」。コンテンツの種類ではなく、撮影表現として、とにかく全ジャンルを手がけていきたいです。その「全部」のジャンルが詰まっているのが、コマーシャルや映画かなと。いろいろな表現、意図、目論見があり、その多様な目的に合わせて撮影に向かううちに、いろいろな場所に、思考に、自分が飛ばされるのがとても楽しいですね。

――撮影監督として経験値を培った今だからこその着眼点でしょうか。

カメラマンとして独立した当初は、やりたい仕事ができるわけではないし、自分の得意分野もわからないまま夢中で仕事をしていました。活動していくうちに、自分のスタイルが構築されていき、周囲からの評価もあり、現在の自分のスタイルに行き着くのではないかと思います。結果的に、表現力や経験値もアップグレードして、やればやるほど、やれることが増えていく。そして、悩むことも増えていく（笑）。

――どんどん新しい発見も増え、深化していく？

深化もすれば、進化もする。今までもそうですが、改めて、撮影後の編集、CG、音響のスタッフとのセッションもさらに大切にしたいです。例えば、再認識しているのは、映像表現の半分を担う音の大切さ。音次第で、感情や状況の表情が変わる。打撃音ひとつとっても、僕の中では超重たい音を想定して撮ったカットに、ふわっとした音響が選択された場合、見え方ががらっと変わりますよね。だからこそ、撮影後のプロダクションワークのスタッフとの連携を経て、監督に渡すための、より良い現場での画作り、いい作品にするための工程を、まだまだ突き詰めなければならないと思っています。